Проницаемость границ между символикой художественных образов и
образов действительности. Теория мимезиса и природа художественной выразительности. Роль
объективного и субъективного в создании символико-метафорического словаря искусства. Соотношение
"синтаксиса действительности" и "синтаксиса искусства" в разных культурных эпохах. Семиотика о
знаковой природе художественного
образа.
&n
bsp; Гносеология - наука о природе познания, условиях его достоверности и
истинности. Соответствующий раздел эстетики изучает искусство в аспекте его
познавательных возможностей, отношение художественного мира и мира
реального.
Проблемы отношения искусства и
действительности являются фундаментальными проблемами для понимания природы
и специфики художественной выразительности, поскольку окружающий мир выступает
важнейшим образным источником искусства. Вместе с тем, художественный образ не
может быть представлен как слепок или копия с реальности: процесс
смыслообразования в искусстве чрезвычайно сложен, чуть заметные "рекомбинации"
предметного мира действительности в художественном творчестве способны резко
изменять его символику. Элементарные приемы монтажа, построения композиции,
привнесение определенного ритма, использование контрастов трансформируют
знакомый мир до неузнаваемости. Синтаксис действительности, таким образом, не
совпадает с синтаксисом искусства. "Пишу не то, что вижу, а то, что хочу чтобы
увидели другие", - так выражал эти познавательно-преобразующие возможности
искусства Э.Дега.
Если предметам и образам реального
мира всегда приписывается безусловность и чувственная реальность, то их
художественное воссоздание воспринимается как нечто условное, созданное
человеческой культурой. Граница между символикой реальных и художественных
явлений всегда была подвижной - то предельно стиралась, то, напротив, требовала
серьезных усилий по извлечению скрытого содержания произведения, мерцающих и
невыразимых смыслов, сопряжения явной и неявной метафоричности в единстве
художественного целого.
Любая эпоха всегда имеет свой
зримый, предметный, чувственный облик, свидетельствующий об определенном типе
её восприятия и мироощущения. Уже это позволяет заключить, что любые жизненные
ситуации так или иначе сопровождает вещественно-предметный, чувственно-
звуковой компонент, рождающий явления обыденного символизма: тот или иной
предмет напоминает о каком-либо событии, хранится в индивидуальной или
коллективной памяти как символ, мелодия рождает череду связанных с ней
ассоциаций и т.д. В этом отношении справедливо утверждать, что принципы
художественного распредмечивания применяются в жизни не реже, чем в искусстве:
явление обыденного символизма заставляет человека и к обычным вещам относиться
"необычно", вычитывая их символику, оберегая их тайну. Отсюда можно придти к
выводу, что "изначальная" символика художественного образа во многом существует
благодаря уже ставшей символике внехудожественных явлений действительности,
без последних художественно-образная символика была бы нетвердой, зыбкой,
искусственной, потеряла бы возможности трансформации своей выразительности.
На становление художественно-образной символики
проливает свет теория мимезиса (подражания), активно разрабатывавшаяся еще в
античности. Подражание в широком смысле слова, - это изначальный и весьма
распространенный факт в жизни любых высокоорганизованных существ, не только
человека, но животных. На подражании движениям, поведению взрослых
основывается весь комплекс передачи опыта от старших к младшим. Сохранение и
передача опыта, необходимого для жизни рода осуществляется во многом путем
подражания.
Изучая механизмы создания воображаемых
смыслов, можно отметить близость искусства и магии. Магические действия
основаны на том, чтобы возбудить определенное эмоциональное состояние и тем
самым оказать воздействие на вещи и цели, которыми человек хочет овладеть. В
основе как мимезиса, магии, так и искусства лежит механизм эвокации. Речь идет об
определенных приемах и средствах, позволяющих заражать человека нужным
переживанием. Магия и связанные с ней основы художественной деятельности в
первобытном обществе первоначально базируются именно на этом фундаменте.
Возбуждение определенного состояния происходит по принципу: подобное вызывает
подобное. изображение того или иного явления вызывает чувства, связанные с
этим явлением, животным или человеком.
Повторяющиеся приемы через изображение чего-либо знакомого целенаправленно
вызывать нужные эмоции постепенно затвердевают в форме определенного ритуала.
Своеобразный ритуал как определенный конструктивный принцип лежит как в основе
мимезиса, магии, так и в основе художественной выразительности. Особенность
художественного подражания состоит в том, что субъективный отбор образов
отражаемой действительности не должен перечеркивать в конечном итоге
объективности художественного мира. Объективность и общезначимость
художественно - образного выражения как раз и обеспечивает присущий образам
символический код, тонко шлифуемый мастером, а также устойчивость
повторяющегося конструктивного принципа, хранимого жанром, стилем и
т.д.
Уже античная теория мимезиса обратила внимание на
то, что обычное воссоздание окружающего мира средствами искусства неинтересно,
т.к. в таком случае оно захватывает много случайного и побочного. В искусстве
привлекает такое отражение мира, такая его "конфигурированность", которая
ориентирована не просто на правдоподобие, но на выражение глубинной сущности
мира, т.е. правды.. Под правдой (в отличие от правдоподобия) Аристотель понимал
возможность проникновения сквозь внешнюю оболочку явления в его истинную
природу. Парадокс художественного познания и состоит в том, что для передачи
смыслов, не лежащих на поверхности, необходимо художественное пересоздание
действительного мира, когда знакомые вещи и явления вступают на художественной
территории в непредсказуемые отношения.
Таким образом
искусство добывает истину не путем простого подражания действительности, а через
сгущение, уплотнение, модификацию реальной предметности, особую организацию
пространственной и временной композиции произведения. Уже античная эстетика не
сомневается в том, что художник может поступиться точностью деталей, если этим
обеспечивается большая выразительность произведения. Этим объясняется и часто
повторяющееся в эстетике утверждение, что бытие художественного образа часто
оборачивается существованием более реальным, чем жизнь самой натуры. Целые
поколения строят свою жизнь по образцу поведения художественных героев -
произведение искусства оказывается более подлинно, чем сама жизнь. М.Горький
вспоминал толстовские слова о Тургеневе, который "написал удивительные портреты
женщин. Может быть, таких как он писал, и не было, но когда он написал их, они
появились. Это верно, я сам наблюдал тургеневских
женщин".
Особенность познавательной стороны
художественного образа в том, что в процессе его восприятия происходит прямое
усмотрение истины, не опирающейся на доказательство. Вот фрагмент известного
поэтического произведения А.Блока:
Девушка
пела в церковном хоре
О всех усталых в чужом
краю,
О всех кораблях, ушедших в
море,
О всех, забывших радость
свою.
...И голос был
сладок, и луч был тонок,
И только высоко, у
царских врат,
Причастный тайнам, - плакал
ребенок
О том, что никто не придет
назад.
Правота печальной мудрости
воспринимается как непреложная. Поэтическая форма сообщает её убедительность,
не требующую иных аргументов.
Отношения
художественного правдоподобия и художественной правды можно представить
соответственно через соотношение таких понятий как целое и целостность.
Произведение искусства как целое - это любое повествование, имеющее начало и
конец, целостность же означает органику, спаянность, взаимопереход всех
компонентов, их тесную слитность в произведении. Произведение искусства, живущее
в веках - это всегда определенный тип художественной целостности, в которой
ничего нельзя ни добавить, ни исключить. Особая соотнесенность всех элементов
языка, внешнего и внутреннего планов рождает в художественном содержании
невыразимое "колдовство поэзии", не поддающееся понятийной расшифровке,
предназначенное к разгадке временем. Это - сама жизнь, где царят свои законы, не
терпящие внешнего вмешательства.
Другая, более
многочисленная группа произведений - та, в которой содержание смыкается с
изображенным, оказывается тождественным воплощенным коллизиям и интриге.
Чаще всего это произведения массового искусства, где от публики не требуется
владения специальной художественной лексикой, чувством формы. Исследователи
этого феномена справедливо говорят о диффузности художественного и реального
мира в массовой беллетристике, кинематографе, телесериалах: знакомые жизненные
ситуации переносятся на художественную территорию почти дословно. Это объясняет,
почему для художественного качества телесериалов не имеет существенного значения
количество их компонентов-серий - 12, 40 или 130.
Гете,
к примеру, не раз обращал внимание на то, что для восприятия художественной
формы произведения как органической целостности нужна особенная чуткость,
вырабатываемая в себе длительным общением с искусством. Массовому сознанию,
считал писатель, гораздо легче воспринять "что", а не "как". Первое можно воспринять
по частям, а для второго нужны труд и известные навыки
И
наоборот, если нас больше занимает фактографичность, нежели философичность
художественно-исторических произведений, большую пищу предоставляет
беллетристика с принципиальной проницаемостью границ между её художественными
и действительными персонажами. "Желающему точно и в деталях узнать как ели, во
что одевались, на чем ездили, как обставляли свои квартиры в России во второй
половине XIX века, нужно читать не Достоевского, Толстого, позднего Чехова, а
П.Боборыкина, И.Ясинского, Н.Лейкина, Н.Байдарова, раннего Чехова,
А.Амфитеатрова. В произведениях писателей второго, третьего ряда разница между
литературным и нелитературным сообщением размывается, предмет в таких
сообщениях неотличим от бытового предмета".
Вместе с
тем, приемы фактографичности и описания в искусстве всегда рискуют оказаться
сиюминутными и случайными; показательный пример - изображение человека на
фотоснимке, часто оказывающееся совсем не идентичным, Происходит это именно в
силу случайности выхваченного момента, возводимого фотоизображением в ранг
необходимого; с последней задачей может справиться только художественная
фотография. Любой теоретик, размышлявший о соотношении действительности и ее
образа в искусстве, обращал на это внимание. Так, Гегель отмечал, что
художественная мысль должна фиксировать не всякое содержание, а лишь то, которое
она фиксирует как сущность.
В разные исторические
эпохи, то отдалясь от окружающего мира, то вновь возвращаясь к нему, классическое
искусство никогда не порывало с ним целиком; предметность, чувственная фактура
реальной действительности воспринималась искусством как жизненно важная
пуповина, генератор художественной символики, источник смыслообразования, почва
для создания "художественных картин мира". Подобная природа искусства,
безусловно, активно эксплуатирует такой тип художественного удовольствия, который
выражает себя в "радости узнавания" (Аристотель). Радость узнавания - не
примитивный процесс, каким он может показаться на первый взгляд: в полной мере он
включает механизмы памяти, ассоциативности, сопоставления, оценки т.п.
"Классический" тип отношений искусства и действительности, выразившийся в понятии
мимезиса и радости узнавания , объединяет практику художников, драматургов,
поэтов, стремящихся к духовному удвоению себя средствами своего искусства в
опоре на чувственный, предметный материал окружающего
мира.
Решение подобной задачи предполагает
труднейшую работу по отбору и размещению в художественном тексте реалий
действительности, которым под силу аккумулировать особое духовно-смысловое
содержание. Парадокс состоит в том, что ценность творца напрямую связана с
уникальностью и неповторимостью его внутреннего мира, вместе с тем, эта
самобытность может быть только тогда понята современниками, когда художник
говорит на общем предметном и интонационном языке данного эмпирического мира.
Отсюда - особая важность умения обобщать и придавать
художественно-убедительную форму тем настроениям, переживаниям и состояниям,
которые художник стремится воплотить. С решением этих задач связана проблема
художественной мотивации, знакомая уже античности. Мотивация отвечает на
вопрос "зачем", "исходя из чего" возникает то или иное внутреннее побуждение,
совершается поступок. Аристотель, размышляя о фабуле трагедии определяет её как
искусное и правильное сочетание событий, когда одно следует из другого, образует
между собою причинную связь. Зритель тем самым вовлекается в подъемы и спады
действия, продуманные драматургические ходы. Вся упорядоченность событий имеет
большое значение, поскольку направлена на выполнение эвокативной задачи, то есть
на возбуждение соответствующих эмоций, переживаний, выстраивание их в
определенной последовательности, позволяющей удерживать зрительский интерес,
напряженность интриги.
Существенно, что представление
об источниках и факторах мотивации человеческих действий впрямую зависит от
характера ментальности эпохи, её базовых представлений об устройстве мира и
человека. Любой новый исторический этап в осознании природы человека поэтому
непосредственно влияет на художественное истолкование проблем мотивации.
Мотивация на уже не лежит на поверхности, скрывается не в тех причинах, на которые
можно указать прямо, а в сложных, опосредованных, часто невыразимых основаниях,
которые стремится разработать художник.
Так, практика
искусства романтиков накопила колоссальный символико-метафорический лексический
словарь для художественного претворения сложной внутренней жизни человека.
Однако возникший позже натурализм легко отказывается от всех накоплений
романтиков, от их выразительных средств и символики. В натурализме (поздний Золя,
братья Гонкуры, в известной мере - Флобер, Мопассан) проявилось желание
устраниться от всякой метафизики и представить мир "таким, каков он есть на самом
деле". Понятие мотивации высоко чтилось в натурализме, настроенном на "выявление
тысячи сложных причин", внутри которых действует индивид. Важно однако понимать,
что любой художественный результат все равно в конечном итоге оказывался
художественным моделированием реальной мотивации. Скрещивание в
художественном изображении привычных реалий с авторской интенцией, в том числе
неосознаваемой самим автором, добавляло к созерцательной оптике мастера
философски-медитативную силу художника. В случаях же, когда натурализм
стремился быть последовательным и верным своим фактографическим декларациям,
в истории искусства он оказывался весьма краткосрочным явлением. Предметам и
событиям, взятым именно как предметам и событиям, было не во что превращаться,
вещная фактура произведения утрачивает своё духовное бытие и просто
располагается в пространстве произведения, лишенная внутренней энергии. Таким
образом зерна депоэтизации художественного мира, истоки своей гибели
одномерный натурализм несет в самом себе, в своей идее "естественного"
художественного пространства, лишающего произведение онтологической
тайны.
Художники противоположной ориентации,
отдающие дань множеству нерациональных пружин поведения человека, весьма
скептически относились к распознаванию причинно-следственных связей как
питательному материалу творчества. Понятие мотивации в их сознании связывалось с
логоцентризмом, дискредитируя тем самым себя. Показательны высказывания на
этот счет Феллини. Работая над фильмом "Казанова", режиссер не раз вступал в
конфликт с исполнителем заглавной роли англичанином Дональдом Сазерлендом.
Запальчивость Феллини объяснялась его особой многомерной трактовкой заглавного
персонажа, поведение которого не вписывалось в традиционные рамки
"психологической достоверности", и следовательно нуждалось в иной эстетике
воплощения. Вспоминания об этой работе, режиссер обрушился упреками: "не знаю,
почему, англоязычные актеры, особенно принадлежащие к определенному поколению,
культивируют миф об осознанной игре, о сознательном сотрудничестве и все время
требуют четкой идентификации образа, пресловутой мотивации". Художественный
текст, построенный на наблюдаемых причинно-следственных мотивах представлялся
Феллини маской подлинных побуждений, художественно-оскопленной формой
достоверности. В ряде картин, особенно в фильме "Корабль плывет", режиссер
продемонстрировал, как имитируя фактографичность происходящего, художественно
моделируя повседневность, рутинность, случайность, можно добиваться решения
далеко превосходящих художественных задач, выражать глубокие подспудные
состояния, не лежащие на поверхности.
Если проследить
судьбу понятия мимесиса в европейской художественной теории и практике, то
обнаружится, что движение художественного творчества шло по пути поиска все более
опосредованных связей между окружающим миром, и теми смыслами, которые
стремился генерировать художник, осваивая его предметно-чувственную фактуру.
Уже на исходе античной культуры в раннем христианском искусстве образ все более
приобретает обозначающий характер, его изображение и смысл начинают связываться
воедино не стихийно, а во многом конвенционально, символику образа надо
разгадать, его иконография (внешний облик) зачастую "шифрует" содержание,
обозначающее естественно не перетекает в обозначаемое. Достаточно подробно
эзотерическая природе художественного образа были разработаны в философии
ранней патристики (см.главу 3). Все перечисленные тенденции сближали понятие
образа и знака.
Чем выше семантическая (смысловая)
плотность содержания, располагающегося за художественным образом, тем сильнее
его знаковый характер. К примеру, средневековый человек (до эпохи Возрождения) не
понимал, что значит "просто" любоваться пейзажем. Поскольку идеальный
эстетический объект в это время - невыразимые и скрытые сущности, постольку и язык
искусства подчинялся определенному культурно-исторически установленной
семантике и синтаксису. Сгущение знаковой природы художественного образа в
любую эпоху предполагает существование некоего единого для членов данного
социума исчислимого "алфавита знаков" и правил их сочетаемости.
Изучением знаковой природы художественного
творчества занимается специальная научная дисциплина - семиотика искусства.
Вполне закономерно, что интерес науки к тому, как та или иная ментальность
переплавляется в язык искусства связано с вниманием к наиболее "семиотическим"
жанрам искусства. По точному наблюдению Ю.М.Лотмана "натюрморт обычно
приводят как наименее "литературный" вид живописи. Можно было бы сказать, что это
наиболее "лингвистический" её вид. Неслучайно интерес к натюрморту, как правило,
совпадает с периодами, когда вопрос изучения искусством своего собственного языка
становится осознанной проблемой."
Действительно,
проникновение сквозь определенный социальный и историко-культурный код вглубь
обозначаемого позволяет понять и оценить существенную роль знаковых фигур или
культовых образов данной эпохи, глубже понять ее менталитет, внутренние
устремления, скрытые переживания. Важно, однако, отметить, что процесс
смыслообразования в искусстве не может быть сведен к изучению внешних и
внутренних связей между образами-знаками. Художественный образ никогда не может
быть истолкован как средство для передачи какого-либо смысла (хотя и обладает
этими возможностями). Предметно-чувственная фактура образа в известной мере
носит и самоцельный характер. Любое художественное изображение в такой же мере
предмет-мысль, в какой и предмет-чувство. Мерцание и наслаивание
эмоциональных реакций, которые вызывает чувственное воздействие произведения
сознательно "закладывается" его автором. По этой причине образы любого вида
искусства - всегда "провокаторы" стихии лирической памяти, непосредственного
сиюминутного переживания, вспыхивающих мгновенно, ещё на дологическом
восприятии искусства. Сколь бы не была сгущенной или разряженной знаковая
природа художественного образа разных эпох - природа художественного восприятия
не предполагает никакого разделения образа на чувственный облик и знак, на
художественную реальность и отдельно - на ее символ. Подобная нерасчлененность
художественных форм ограничивает возможности семиотического анализа искусства,
оставляющего "за кадром" все живое чувственное богатство образа, незатронутые
рефлексией его краски.
Вместе с тем, тенденция ко все
более усложненному поиску опосредованных связей между окружающим предметным
миром и теми смыслами, которые художник стремится передать через этот мир есть
процесс объективный. В ней выражено не просто желание художника любыми
способами выделиться, быть ни на кого не похожим, но во многом это и проявление
уважения к самому читателю, зрителю, слушателю. Художник отказывается от
накатанных приемов воссоздания линейных отношений, прямых ассоциаций, а
стремится стимулировать более богатые внутренние возможности зрителя, читателя,
по-новому провоцировать его воображение, научая соединять прежде несоединимое,
делая искусство не просто информативным, а интересным, занимательным,
соответствующим уровню культурного самосознания эпохи.
И эстетика, и художественная практика осознано и неосознано пришли к пониманию
того, что все, выраженное опосредованно, косвенно способно заряжать нас более
сильной эстетической энергией, чем то, что излагается прямо, непосредственно.
Искусство, культивируя приемы иносказания и опосредованности способно усиливать
свою эвристическую природу, поднимать собственный статус, осознавая что не
пребывает "в рабских" в отношениях с окружающим миром.
Это наблюдение равно применимо как к высоким философским образам искусства, так
и к повседневным. Один из героев Чехова, к примеру, хорошо понимал, что любой
комплимент, произнесенный прямо, "в лоб" ("Вы мне нравитесь"), как правило,
оказывается пресным, пошлым, оборачивается неудачей. В противовес языку
"линейной речи" он изобрел свои приемы, в нужный момент вдруг с удивлением
вопрошая: "Откуда у Вас глаза морской серены?", и сразу же следующий шаг: "Вы
всегда так улыбаетесь, точно стараясь скрыть свою красоту?" Подобный "словарь"
опосредованных способов выражения на разные случаи можно фиксировать как на
обыденном уровне, так и в сфере художественных штампов.
Как уже отмечалось, доминирующий мировоззренческий контекст эпохи актуализирует
такие типы творчества, которые отвечают духу данного социума. Отсюда типологию
отношений искусства и действительности можно представить через две полярные
тенденции. В первом случае художник видит свою задачу в том, чтобы выражать
идеальное положение человека в мире, во втором - художественными средствами
воплощать формы присутствия человека в мире. Разница очевидна. Воссоздание
идеального положения человека исходит из убеждения в том, что при любых условиях
автор должен находить и утверждать положительные полюса действительности,
изображая мир более возвышенным, чем он есть на самом деле. Во втором случае в
основе творчества лежит мысль, что идеализируя реальность, художник
дезориентирует человека, погружает его в иллюзорное состояние. Искусство поможет
человеку только в том случае, если будет показывать его и с нелицеприятной стороны.
Воссоздание всевозможных форм присутствия человека в мире предполагает
вовлечение в искусство массы негативного материала - ведь все гибельные и
катастрофичные тенденции, сколь бы ни были они губительны, существуют как
компоненты действительного мира.
Избирая ту или иную
оптику творчества, художник так или иначе опирается на глобальные представления о
возможностях своего искусства. Чего ждет человек от встречи с искусством?
Гносеология искусства исходит из того, что человек не только хочет получить
художественное наслаждение, но и преследует цель с помощью искусства обрести
устойчивость в этом мире. Он хотел бы осознавать его скрытые пружины,
сопоставлять разные типы человеческих отношений, ставить себя на место разных
персонажей, проживать множество жизней и в итоге углублять в себе меру понимания
окружающего. Следовательно для человека в определенной мере важны идеальные
художественные образцы и модели поведения, сообразно которым он мог бы строить
свою жизнь. На них особенно настаивало искусство дидактически ориентированное,
культурная политика тоталитарных государств (ср. Буало о задачах искусства
французского классицизма: "развлекать поучая").
Вместе с
тем, возделывание внутреннего опыта не может происходить в "стерильных" условиях.
Искусство позволяет примерить на себе противоположные роли, быть искушенным не
только в сфере добра, но и зла, не ограничивая восприятие мира определенными
рамками. До XYIII века в философии бытовала формула: бытие так относится к
небытию как жизнь относится к смерти. Несостоятельность её очевидна, так как
бытие - это то, что внутренне непротиворечиво, постоянно и вечно. Жизнь же
дуалистична, антиномична, вся соткана из противоречий. Поэтому бытие включает в
себя и жизнь и смерть. М.Фуко точно заметил: "жизнь убивает, потому что она живет".
Для возникновения новых форм жизни, способных к большей самозащите необходимо,
чтобы ушли старые; опыт поражений заряжает новые генерации большей витальной и
жизнеутверждающей силой. Раз это так, то и предметом искусства становятся не
только созидательные, но и разрушительные процессы жизни. Когда мы оцениваем
"сверхзадачу" искусства, имея в виду его оперирование с негативным и позитивным
материалом действительности, важно при этом видеть различие между целями
человека и целями человечества. Жизнь каждого отдельного человека может зайти в
тупик, но жизнь человечества как рода так не складывается. В итоге все сводится к
удельному весу, к компонентам, интерпретации позитивного и негативного материала,
когда мы ведем речь о художественном воссоздании глобальных противоречий.
Фактически уже с того момента, когда в античности прекрасное стало связываться с
катартикой искусства, было дано эстетическое обоснование устойчивости
художественного мира, не колебимого вторжением в него негативных образов
бытия.
Размышляя о взаимодействии искусства и
действительности, о природе художественного мимезиса, нельзя ни коснуться
проблемы реализма. До недавнего времени это понятие носило оценочный характер,
т.е. не просто служило обозначением определенного художественного течения, а
противопоставлялось всем иным стилям, направлениям и течениям. Критерии
реализма всегда были размытыми, ведь то или иное сопряжение искусства и
действительности можно обнаружить у кого угодно. В идеологических целях в
реалисты зачисляли и Рембрандта, и Гоголя, и Лермонтова.
Интересные идеи на этот счет высказал французский эстетик Роже Гароди. В работе
"О реализме без берегов" он обосновывает положение о том, что не существует
критериев реализма в искусстве, которые выступали бы как внеисторическая норма.
"Подобно тому, как о ценности научного исследования невозможно судить, исходя
лишь из уже известных законов диалектики, так и о ценности художественного
произведения нельзя судить на основе критериев, выведенных из предшествующих
произведений". Когда говорят о реализме, то подразумевают, что его образный строй
целиком строится на образах окружающего, видимого мира. Это, разумеется, не
означает, что реалистические произведения имеют приоритет в толковании,
интерпретации, понимании природы человека. Историческая жизнь искусства
демонстрирует, что одни приемы художественного видения сменяют другие,
позволяющие судить о мере проникновения художника в явные и неявные стороны
мира. Отсюда сам по себе термин реализм нельзя рассматривать ни как
поощрительный, ни как ругательный. Это понятие, объединяющее большой массив
произведений и художников располагается в череде иных, обозначающих тенденции
искусства до и после реализма.
Идея о том, что ни один
тип художественного видения не может быть понят как вневременная норма искусства
вдохновляла эстетическое творчество Ортеги-и-Гассета (1883-1955). В работе
"Дегуманизация искусства" испанский теоретик разработал положение о том, что все
художественные приемы и стили - преходящи, постоянным же и абсолютным является
процесс самопознания человека, все время стремящегося рассмотреть себя в более
сложной системе координат, понять и увидеть со стороны. Ортега считает, что в
начале XX века произошел коренной перелом, оторвавший искусство от классических
форм взаимодействия с окружающим миром. Художественные приемы, разработанные
в свое время на основе традиционных форм художественного подражания (мимезиса),
были доведены поздними стадиями развития искусства едва ли не до автоматизма.
Эксплуатацию новым искусством языка традиционного искусства Ортега определяет
как "нечестный прием", в котором особенно преуспели мелодрама, салонная живопись.
Художники, по его мнению, слишком хорошо знают эвокативные возможности
искусства, способы создания эмоциональных эффектов, достижимые с помощью
известных драматургических ходов, композиции и легко их просчитывают. Однако
эстетическое наслаждение такого рода является "неочищенным", сводит роль
художественного воздействия к элементарной эмоциональной разрядке, в то время как
искусство призвано "разгадать метаморфозу мира", создавать "нечто, что не
копировало бы натуры и, однако, обладало бы определенным содержанием, - это
предполагает дар более высокий".
Человек в XX веке
столь сложен, неоднозначен, так мало знает о себе самом, что и искусство, обращаясь
к нему, уже неспособно опираться на видимые реалии внешнего мира, исчерпавшие
свою символику и все её возможные комбинации. Новый язык искусства, по мнению
Ортеги, призван освободить художественные идеи и смыслы от тождества с
вещами. Упрямое стремление сохранить себя в границах привычного, каждодневного -
это всегда слабость, упадок жизненных сил. Если мы привыкли к канонам
классического искусства и живем ими, то это означает элемент деградации, цепляния
за прошлое. Искусство может совершить новый прорыв, который должен быть связан с
возможностью культивировать чисто художественные приемы, позволяющие
постигнуть сокрытое, заглянуть за видимые и осознаваемый границы мира.
Категоричное высказывание испанского философа "поэт начинается там, где кончается
человек" означает, что человечески-сентиментальное содержание сегодня - не та
основа, на которой могут состояться большие художественные обобщения. В этом и
смысл понятия "дегуманизация" как тенденции новейшего искусства.
В значительной мере можно утверждать, что Ортега -
теоретик модернизма. Он всячески стремится показать, что линия, звук, цвет, свет
сами по себе могут быть достаточно выразительными, с ними надо
экспериментировать, расширять их трансцендентные возможности. При всей
субъективности пристрастий и оценок Ортеге, безусловно, удалось нащупать
стержневые тенденции искусства XX века.
Отсутствие
очевидной преемственности в истории приемов художественного познания в отличие
от научного объясняется тем, что для художника окружающий мир интересен не сам по
себе, а всегда в его значении для человека. И если каждый новый шаг в научном
познании может быть сделан только на основе достижений предшественников,
искусство, напротив, весьма расточительно в своих познавательных средствах.
Определенные ментальные установки Возрождения привели искусство к изобретению
перспективы в живописи, затем оно не раз легко расставалось с этим принципом.
Натурализм "забывает" все достижения романтиков и т.д. В конечном счете искусство
озабочено не тем, чтобы хранить и умножать весь фонд накопленных средств, а тем,
чтобы используемые приемы были максимально адекватны состояниям человека,
которые автор ощущает как важнейшие в ту или иную историческую секунду. Это
позволяет заключить, что искусство не просто зависит от субъективного мира
художника, но рассматривает эту субъективность как несомненную ценность. Наука,
чтобы быть точной, должна следить за нерушимой границей между субъектом и
объектом. Искусство - нет. Если бы, к примеру Менделеев не создал таблицы
химических элементов, её автором стал бы другой ученый. Но если бы Достоевский не
создал "Игрока", это произведение не могло бы иметь иного источника рождения. В
этом смысле роль неповторимой индивидуальности в художественном познании
гораздо ощутимее, чем в научном.
ВОПРОСЫ
1. Какую роль играют чувственное воздействие
художественного образа и его знаковая природа в процессе смыслообразования в
искусстве?
2. В каком направлении эволюционирует толкование
правды и правдоподобия в искусстве? Почему исторический процесс самопознания человека
связан с углублением форм художественной опосредованности?
ЛИТЕРАТУРА
Бахтин М.М. Эстетика словесного
творчества. М.1979.
Вартанов А.С. От фото до видео. (Образ
в искусствах XX века). М.1996.
Вещь в искусстве.
М.1986.
Гароди Р. О реализме без берегов.
М.1961.
Жуковский В.И., Пивоваров Д.В. Зримая сущность.
Визуальное мышление в изобразительном искусстве. Свердловск.
1991.
Кандинский В.В. О сценической композиции.
//Изобразительное искусство. 1919.№1.
Лейзеров Н.Л.
Образность в искусстве. М.1974.
Лосев А.Ф. Знак, символ,
миф. М.1982.
Махлина С.Т. Реализм и условность в
искусстве.СПб.1992.
Монтаж: Литература. Искусство. Театр.
Кино. М.1988.
Мочалов Л.В. Пространство мира и
пространство картины. М.1983.
Мукаржовский Я.
Исследования по эстетике и теории искусства.
М.1994.
Норенков С.В. Архитектоника предметного мира.
Нижний Новгород. 1991.
Ортега-и-Гассет Х. Дегуманизация
искусства.//Его же. Эстетика. Философия культуры.
М.1991.
Ритм, пространство и время в литературе и искусстве.
Л.1974.
Роднянская И.Б. Художественность.// Литературный
энциклопедический словарь. М.1987.
Самохвалова В.И. Язык
искусства. М.1982.
Силичев Д.А. Семиотика и искусство:
анализ западных концепций. М.1991.
Синцов Е.В. Рождение
художественной целостности. Казань.1995.
Тасалов В.И. Хаос
и порядок: Социально-художественная диалектика.
М.1990.
Топоров В.Н. Вещь в антропоцентрической
перспективе. // Aequinox. М.1993.
Фейнберг Е.Л. Две культуры:
Интуиция и логика в искусстве и науке. М.1992.
Философия
языка и семиотика. Иваново.1996.
Художественный примитив.
Эстетика и искусство. М.1996.
Горький М. Собр.соч. в тридцати тт. Т.29.С.102.
Чудаков А.П. Вещь в реальности и в литературе. //Вещь в искусстве. М.1986.С.30.
Лотман Ю.М. Избр.работы в трех тт. М.1993. Т.
Гароди Р. О реализме без берегов. М.1961. С.116.
Ортега-и-Гассет Х. Эстетика, Философия культуры. М.1991.С235.
